- Wat is de oorsprong en geschiedenis van theater?
- De Griekse oorsprong van het theater
- De oorsprong van niet-westers theater
- Liturgisch drama en middeleeuws theater
- De bloei van het Japanse theater
- Renaissancetheater en de commedia dell'arte
- De ingang van de moderniteit
- De 20e eeuw en hedendaags
We leggen de oorsprong en geschiedenis van theater uit in verschillende delen van de wereld, van de oudheid tot vandaag.
Wat is de oorsprong en geschiedenis van theater?
De theater, het artistieke genre waarin de literatuur (dramaturgie) en de uitvoerende kunst (theatervoorstelling), is een van de oudste vormen van artistieke expressie in de geschiedenis. de mensheid.
Hoewel de oorsprong ervan gewoonlijk teruggaat tot de Oudheid klassieker van het Westen, de waarheid is dat bijna alle eeuwenoude culturen ze hadden een of andere vorm van theater of een soortgelijk spektakel, waarmee ze hun jonge mensen opvoedden, baden tot hun... goden of herinnerden zich hun mythen fundamenteel.
De eersten die theater echter als een kunstvorm op zich begrepen, dat wil zeggen als "dramatische kunst", waren de oude Grieken van de 6e tot de 4e eeuw voor Christus. c.
De oude Grieken vierden bepaalde rituelen religieus ter ere van Dionysus, god van wijn en vruchtbaarheid, bekend als de bacchanalia. In deze riten de dans en trance-toestanden waren normaal, maar ook een bepaald verhaal en enscenering van de grondleggende mythen, en dit laatste was wat aanleiding gaf tot het theater.
De Griekse oorsprong van het theater
Het is ontstaan in de 6e eeuw voor Christus. C. dankzij een priester van Dionysus, genaamd Thespis, die een belangrijke wijziging in de rituelen heeft aangebracht: een dialoog die hij tijdens elk festival met het koor hield.
Zo werd Thespis de eerste toneelspeler. In feite, volgens de kronieken van de IIIe eeuw a. C. Het was Thespis zelf die de eerste theaterwedstrijd in Griekenland won, die in 534 voor Christus in Athene werd gehouden. c.
Vanaf dat moment werden theaterwedstrijden heel gewoon op festivals ter ere van Dionysus, die vier hele dagen duurden en waarbij gebruik werd gemaakt van houten tussenschotten voor het orkest, het publiek en het podium rond het standbeeld van Dionysus.
Gedurende de 5e en 4e eeuw voor Christus. C. het Griekse theater bloeide en werd onafhankelijk van de aanbidding religieus. Het bleef echter een mechanisme van de Griekse samenleving om haar jonge mensen in de geloof, de mythologie en klassieke burgerlijke waarden.
In die tijd ontstonden de drie grote Griekse toneelschrijvers: Aeschylus (525-456 v. Chr.), Sophocles (496-406 v. Chr.) en Euripides (484-406 v. Chr.), auteurs van een uitgebreide reeks tragische toneelstukken die de grote Griekse mythen aan de orde stelden. Samen met hen kwamen grote Griekse komieken zoals Aristophanes (444-385 voor Christus) in opmars.
Het theater was zo belangrijk in de Griekse cultuur dat de filosoof Aristoteles (384-322 v. Chr.) zich door hen liet inspireren om de eerste verhandeling over dramatische kunst in de geschiedenis van de mensheid te schrijven: de Poëtica vanaf 335 v. Chr c.
Op dezelfde manier was het zo belangrijk voor het Middellandse-Zeegebied van die tijd, dat de Romeinse cultuur het als model en inspiratie nam om zijn eigen theater te ontwikkelen tussen de 2e en 3e eeuw voor Christus. C. Zo ontstonden auteurs met een grote bekendheid als Plautus (254-184 v. Chr.) en Terence (185-159 v. Chr.), wiens Toneelstukken ze maakten deel uit van een veel groter evenement in de Romeinse cultuur: de Romeinse Spelen ter ere van de goden.
De Romeinen namen ook de Griekse dramaturgische erfenis op in hun cultuur en bewaarden deze in het Latijn voor veel latere lezers.
De oorsprong van niet-westers theater
Er waren in de oudheid ook rijke theatertradities in het oosten van de wereld, vooral in de oude cultuur van India. Het theater van India is ontstaan uit religieuze en ceremoniële dansen.
Dit theater kreeg rond de 4e en 2e eeuw voor Christus een formele studie.C., te oordelen naar wat de Natia-shastra, een oude hindoeïstische verhandeling over dans, zang en drama, toegeschreven aan de musicoloog Bharata Muni (data onzeker). Dit werk bestudeert in het bijzonder het Indiase klassieke theater, het hoogtepunt van de Sanskrietliteratuur.
In dit soort van drama zeer stereotiepe figuren verschenen als de held (nayaka), de heroïne (nayika) of de clown (vidusaka), te midden van mythologische en religieuze verhalen over de oorsprong van de goden. De voorstelling bestond vooral uit de dans en dialoog van de acteurs, verkleed en opgemaakt, maar zonder podium of versieringen.
Het Indiase theater werd lange tijd bijna zonder onderbreking of verandering beoefend en bereikte zijn hoogtepunt tussen de 3e en 5e eeuw na Christus. Twee van de grote toneelschrijvers van deze traditie waren Sudraka (3e eeuw na Christus) en Kalidasa (4e-5e eeuw na Christus), de laatste auteur van grote liefdesspelen.
Een andere belangrijke niet-westerse traditie, het theater van China, ontstond rond de 6e eeuw voor Christus. C. Het bestond voornamelijk uit dansen, acrobatiek, mimespelers en rituele handelingen zonder een bepaald genre.
De acteurs, allemaal mannen, konden verschillende soorten stereotiepe rollen spelen, of het nu mannen (sheng), vrouwelijk (dus), strips (chou) of krijgers (ching). In veel gevallen werden maskers en make-up gebruikt.
De Chinese traditie inspireerde soortgelijke versies in Japan en andere Zuidoost-Aziatische landen, die in latere eeuwen floreerden en pas in bijna de negentiende eeuw in het Westen bekend waren.
Liturgisch drama en middeleeuws theater
Na de val van Romeinse rijk, het theater in het Westen verloor zijn oude populaire en religieuze relevantie: dit komt omdat de Christendom verwierp de erfenis heidens- van Europa en hij deed al het mogelijke om zich te onderscheiden en afstand te nemen van die traditie. Tegen de 10e eeuw waren de christelijke liturgie en de viering van Pasen echter centrale gebeurtenissen in de christelijke cultuur en werden ze met veel pracht en praal uitgevoerd.
Dus in de Middeleeuwen er ontstond een liturgisch theater, dat de belangrijkste scènes uit de christelijke mythologie reproduceerde, zoals het bezoek van Maria Magdalena aan het graf van Jezus Christus. Hiermee werd een rijke traditie van de latere christelijke dramaturgie geboren.
Rond de elfde en twaalfde eeuw begonnen veel Franse kloosters bijbelverhalen op een platform buiten de tempel op te voeren, waarbij ze ook de Latijnse cultus verlieten om volkstalen te gebruiken, dichter bij de mensen. De enscenering van Genesis of de Apocalyps, of het gekwelde leven van heiligen, zoals dat van Sint Apollonia of Sint Dorothea, was heel gewoon.
Naarmate deze theatrale acts complexer werden, werden ze tentoongesteld op praalwagens of mobiele podia, om de liturgie en het kerkelijke verhaal naar de verschillende uithoeken van het land te brengen. Dit was vooral populair in Spanje, en ze werden bekend onder de naam Sacramentele auto's, dat wil zeggen, drama's van de eucharistie.
Soortgelijke gebeurtenissen werden destijds in Engeland ondernomen, vooral tijdens de Corpus Christi, en werden populaire vormen van theater, gebruikelijk in heel Europa tot de 16e eeuw.
Vanaf dat moment kwamen zijn belangrijkste tegenstanders naar voren: de protestantse puriteinen die de overheersende humor en durf in zijn voorstellingen veroordeelden, en de humanisten Renaissance die met slechte ogen hun frivoliteit en de link met een bepaalde middeleeuwse traditie waarvan ze probeerden te breken.
Bijgevolg werden veel van deze werken verboden in Parijs en in de landen van het protestantse Europa, terwijl ze floreerden in het Europa van de contrareformatie, vooral in Spanje. geweldige auteurs van barok- Spanjaarden als Lope de Vega (1562-1635), Tirso de Molina (1583-1648) en Calderón de la Barca (1600-1681) worden gerekend tot de grootste auteurs van de sacramentele handeling.
De bloei van het Japanse theater
Ondertussen kristalliseerde zich in het 14e-eeuwse Japan een podiumcultuur uit. Als erfgenaam van Shinto-dansen en boeddhistische rituelen, zowel eigen als gekopieerd uit China en andere Aziatische landen, zette het Japanse theater zijn belangrijkste stappen.
Vanaf dat moment zetten drie grote tendensen hun eerste stappen:
- Het verfijnde lyrische drama van noh en kyogen theater.
- Het literaire poppentheater van Bunraku.
- Later het kabuki-theater, het dramatische spektakel van de bourgeoisie.
Noh-theater ontstond rond 1374 in Kyoto, onder de voogdij van de shogun Yoshimitsu, en begon een belangrijke traditie van theatrale patronage door Japanse feodale heren.
De meeste werken in deze stijl, uitgevoerd met oneindige gratie en verfijning door mannelijke acteurs begeleid door een klein koor, werden in de volgende decennia geschreven door Kanami Motokiyo, zijn zoon Zeami Motokiyo, en later de schoonzoon van laatstgenoemde, Zenchiku. Sinds de 15e eeuw zijn er weinig nieuwe toneelstukken voor Noh theater geschreven.
Misschien om deze reden vertoonde het Japanse theatrale panorama tegen de 16e eeuw een zeker verval. Daar komt nog het verbod uit 1629 op alle theatervoorstellingen met vrouwen in de hoofdrol, nadat de presentaties van de Shinto-priesteres O-Kuni voor opschudding zorgden bij het publiek in Kyoto.
Dat is de reden waarom aan het begin van de 17e eeuw een nieuw Japans theater ontstond om de leegte te vullen, een weerspiegeling van de nieuwe burgerlijke gevoeligheden van die tijd: de Kabuki, een succesvol cafétheater, dat gebruik maakte van weelderige decors en uitgebreide kostuums, wiens werken ze kwam uit de literaire traditie en het poppentheater.
Renaissancetheater en de commedia dell'arte
Zoals in vele andere kunst en kennis, de Renaissance European markeerde een voor en na in theater en dramaturgie. De werken werden natuurlijker, ontdaan van hun religieuze verplichting en redden de theoretische erfenis van Aristoteles, evenals de oude mythen en klassieke symbolen.
De triomf van bourgeoisie toen de nieuwe dominante sociale klasse een verandering in theatrale gevoeligheden teweegbracht en al snel werd de geboorte van nieuwe genres en nieuwe stijlen waargenomen, zoals het Spaanse baroktheater en het Engelse Elizabethaanse theater, in wiens traditie grote namen verschenen zoals Miguel de Cervantes en William Shakespeare.
De belangrijkste van de nieuwe theatervormen was echter de Italiaanse Commedia dell'Arte, die rond 1545 opkwam als een vorm van straat- en volkstheater, maar dan uitgevoerd door professionele acteurs. Veel van de theatergroepen waren rondtrekkend, trokken van stad naar stad en zetten geïmproviseerde podia op.
Daar vertegenwoordigden ze stukken van komedie fysieke, theatrale improvisaties en eigen stukken waarvan karakters ze waren gemakkelijk en snel te herkennen, omdat ze altijd dezelfde maskers droegen. Bijvoorbeeld, broek hij was een pompeuze en slechtgehumeurde oude man aan wie grappen en grappen werden uitgehaald, terwijl... Harlecchino was de grappende en gedurfde dienaar, en Pulcinelli hij was de dikbuikige, gebochelde pakhuisspecialist.
Vanaf dat moment begonnen nieuwe vormen van theatraal spektakel populair te worden in een Europa dat dramaturgie steeds meer waardeerde. De tragikomedie werd een populair genre, een soort tussenschakel tussen komedie en tragedie. Opera kwam ook op in de 17e eeuw en de zogenaamde "Italiaanse stijl" van theater verspreidde zich over heel Europa.
In dezelfde context kende het Franse theater een belangrijke bloei, dankzij de handen van gerenommeerde toneelschrijvers zoals Pierre Corneille (1606-1684) en Jean Racine (1639-1699), grote schrijvers van tragedies, en vooral Jean-Baptiste Poquelin, beter bekend als Molière (1622-1673), acteur en auteur van komedies, kluchten, tragikomedieën en enkele van de meest gevierde werken in de Franse taal.
De ingang van de moderniteit
De volgende grote verandering in de westerse theatertraditie kwam met de Romantiek Duits, vooral Sturm en Drang in de tweede helft van de achttiende eeuw.
Net als in de rest van de kunsten legde de theatrale romantiek de nadruk op sentimentaliteit en drama, tegen het rationalisme dat opkwam met de Illustratie Frans. Hij gaf de voorkeur aan donkere, mysterieuze thema's, vooral die uit de populaire cultuur en folklore.
De erfenis van auteurs als Wolfgang von Goethe (1749-1832) en Friedrich Schiller (1759-1805), met grote dramatische werken als Faust of William Tell aan het begin van de 19e eeuw, vormde de inspiratie voor de geboorte van een nieuw genre: het melodrama, waarin muziek is verwerkt om de emoties van de personages te benadrukken.
Uit de hand van nationalisme Europees, deze nieuwe stijl sloeg aan in bijna alle landen en leverde beroemde werken en auteurs op zoals Georg Büchner, Victor Hugo, José Zorrilla en vele anderen.
De oprichting van het moderne theater vond eigenlijk plaats tot ver in de 19e eeuw, met de oprichting van realistisch theater, de triomf van het rationalisme op de romantici. Het realisme benadrukte de noodzaak van een naturalistisch theater: decors vergelijkbaar met echte, geloofwaardige uitvoeringen en ontdaan van hoogdravende dictie of gebaren.
Zoals verwacht werd het realisme geboren in Frankrijk, de bakermat van de Verlichting.Het bereikte echter zijn expressieve hoogtepunt in de pen van Noordse auteurs zoals de Zweedse August Strindberg (1849-1912) en de Noor Henrik Ibsen (1828-1906), of zelfs bij de eveneens prominente Russische schrijver van korte verhalen Anton Tsjechov (1860- 1904).
De 20e eeuw en hedendaags
De komst van de turbulente 20e eeuw bracht de voorhoede, een onophoudelijke bron van innovatie formeel en esthetisch waaruit veel theaterscholen in Europa en Amerika zijn voortgekomen.
In het algemeen zocht de avant-garde naar meer intensiteit en psychologische diepgang in hun karakters, waarbij ze de drie klassieke Aristotelische eenheden verlieten en vaak aanklacht en politieke strijdlust omarmden. Bovendien kreeg dankzij hen de rol van de theaterregisseur meer aandacht dan de acteurs; een rol vergelijkbaar met de filmregisseur.
Avant-garde theaterbewegingen zijn te talrijk om in hun geheel op te sommen, maar het is vermeldenswaard de expressionisme, het "epische theater" van Bertoldt Brecht, het theater van het absurde gekoppeld aan de filosofie van existentialisme en de werken van Antonin Artaud, Eugène Ionesco en Samuel Beckett.
Bovendien zijn de non-conformiteit en het anti-burgerlijke sentiment van de Boze jonge mannen: Harold Pinter, John Osbourne en Arnold Wesker. Andere grote namen uit die tijd waren onder andere Luigi Pirandello, Alfred Jarry, Arthur Miller, Federico García Lorca, Ramón de Valle Inclán.
Sinds 1960 probeert hedendaags theater opnieuw contact te maken met de emoties van de toeschouwer, weg van episch theater en politieke boodschappen. Er zijn tal van theatrale aspecten die proberen los te komen van het podium en theater naar de straat te brengen, of het publiek op het podium te betrekken, of zelfs hun toevlucht te nemen tot gebeurt of geïmproviseerd situatietheater in het echte leven.